«ВЗЛЕТ НА ФОНЕ ПАДЕНИЯ». Актер Павел Морозов о проблемах современного театра, сегодняшнем зрителе, о живых энергии и магии театрального искусства ("Давление света")

В то время, когда в театральной среде активно обсуждается тема жизнеспособности и востребованности репертуарных театров, Луганский областной русский драматический театр им. П.Б. Луспекаева начал новый сезон тремя яркими премьерами – очень смелыми, и, по-своему, знаковыми. О своем видении миссии театра, молодом поколении актеров и театральном искусстве «эпохи нечитающего поколения» рассказал в интервью Павел Морозов, ведущий на сегодняшний день мастер сцены Русского драматического театра, исполнитель главной роли в спектакле «Маска-рад».

ДС - Каждый год своими премьерами театр дает понять зрителю свое видение времени и главных проблем человека. Расскажите о премьерах нового сезона в вашем театре.

ПМ - В новом сезоне Русский театр подарил луганчанам три премьеры: зрителю предложили современный взгляд на творчество Лермонтова, Шекспира и Эрдмана. Все три спектакля, на мой взгляд, можно считать знаковыми.

«Маскарад» в постановке Алексея Кравчука – это своего рода попытка прочесть классический сюжет через современную пластику и метафору. Не мне судить о самом спектакле – я был внутри него, но работалось в этой эстетике очень интересно, не смотря на запредельное репетиционное напряжение.

Работая над международным проектом «Репетируем Ричарда» в постановке Сергея Остренко и Marie de La Guéronnière наши актеры смогли через углубленные психофизические тренинги прикоснуться к живому современному европейскому театру. Это бесценный опыт для нашей труппы – играть на одной сцене с актрисой, которая прошла школу в Театре великого мима Марселя Марсо – небывалая удача и большая честь. Для тех, кто следит за тенденциями в мировом театре, эта премьера была подарком судьбы. Зрительские оценки разошлись полярно – от «гениально» до «непонятно» и это право зрителя.

«Самоубийца» в постановке гл. режиссера Олега Александрова – это отдельный разговор. Пьеса коварная, со многими подводными камнями, и «победить» ее современным режиссерам с каждым днем все труднее и труднее (умерла эпоха социализма, а вместе с ней идеологическая острота и социальный юмор пьесы). Но Олег Александров не просто «победил» этот сложный материал, он, не осовременивая пьесу, придал ей фантасмагорическое, фарсовое и одновременно трогательное звучание (щемящая жалость и любовь к современному маленькому человеку большая редкость сегодня у режиссеров). И это сработало – спектакль получился очень живым, грустно-смешным и современным. Отмечу, что режиссер в «Самоубийце» собрал практически всю труппу, и я вместе с молодыми артистами с огромным удовольствием наблюдал, как репетируют и играют наши корифеи – дорогого стоит этот опыт.


ДС - Кто ваш сегодняшний зритель?

ПМ - Сегодня луганский зритель разный: от женщины в норковой шубе в первом ряду, жующей копченую рыбу из промасленного бумажного пакета (реальный персонаж), до тринадцатилетнего подростка-инвалида, которого мать водит на все взрослые премьеры – сам он ходить не может (тоже реальный человек). Иногда, конечно, в зале попадаются люди, которым вообще трудно подобрать определение, но в основе своей зритель сегодня смешливый на комедиях, думающий и сопереживающий на драмах, все еще способный верить в «нас возвышающий обман», культурный и, несмотря на «происки» масс-культуры и шоу-бизнеса, все еще читающий, и я в него верю.

ДС - В Луганске, как ни в одном другом городе Украины, нет афиш спектаклей и репертуара местных театров – всюду только информация о гастролях. Почему так?

ПМ - Все достаточно просто, на мой взгляд: гастрольную деятельность сегодня может осилить только частный бизнес. Реклама стоит денег, а у государственных театров просто нет таких бюджетных возможностей. Хотя в идеальном смысле, самая хорошая реклама – это интересная статья о премьере. А часто ли можно встретить компетентную яркую статью о Луганских театрах? Увы… Зато пересказов сюжета – сколько угодно, хотя любой театровед знает, что пересказывать сюжет дело самое последнее и не царское. А вот передать свое особое авторское ощущение от прекрасного спектакля, увлечь читателя игрой своей фантазии, интеллекта и своего сердца, чтобы он поверил вам, и пришел в театр, и не обманулся, – это высший пилотаж театрального критика. Кстати, ругать спектакли в прессе – это уж совсем запрещенный прием у искусствоведов: зритель сам «не дурак» и просто «проголосует ногами», как любит говорить Олег Александров.

ДС - Ваш взгляд на современный драматический театр, на молодое поколение актеров?

ПМ - Современный театр переживает, на мой взгляд, взлет на фоне падения, и, пожалуй, в этом состоянии он пребывает далеко не в первый раз. С одной стороны появились новые яркие имена в режиссуре, с другой – их катастрофически мало. Ежегодно в драматургических конкурсах участвуют тысячи драматургов, а театры продолжают жаловаться, что нет хороших современных пьес. Количество Вузов, дающих актерское образование, увеличилось, а количество новых актерских имен неизменно в минусе.

К сожалению, все театральные педагоги констатируют неутешительный факт: платная доступность театрального образования снизила конкурсную планку абитуриентов. Отсюда возникает проблема трудоустройства по профессии у некоторых выпускников-актеров. Плюс общая болезнь современности – «черная эпоха нечитающего поколения». Если даже завкафедрой одного из Санкт-Петербургских филфаков во всеуслышание посетовал, что студенты-филологи не читают литературу в оригинале, а пользуются кратким пересказом содержания, то становится несколько страшно. Нечитающий актер – это нонсенс, но все, похоже, идет именно к этому. Но, на счастье, на любом актерском курсе всегда найдется пара-тройка приятных исключений, и театры пристально присматриваются к ним начиная с третьего-четвертого курса.

В ЛАОРДТ им. П.Б.Луспекаева в настоящее время сложилась крепкая команда молодых артистов, большинство которых выпускники ЛГИКИ (ныне ЛГАКИ). За последние годы они выросли и вошли в хорошую профессиональную форму. Это радует, и я вместе с луганским зрителем с удовольствием отмечаю серии удач своих молодых коллег.

ДС - Какой актер в целом нужен сегодняшнему зрителю?

ПМ - Актер сегодня должен быть более универсальным и синтетическим, чем, скажем 20-30 лет назад. Восприятие и эмоциональные реакции зрителя сильно изменилось, выросло несколько поколений с клиповым мышлением. Театр должен с этим считаться и отсюда усиление профессиональных требований к актеру. Все чаще драматические театры обращаются к мюзиклам, а режиссеры все чаще насыщают спектакли пластикой и драматической хореографией – актер сегодня просто обречен быть универсальным, иначе ему грозит банальная невостребованность.

ДС - Есть мнение, что театр умирает, – его вытесняет кино, компьютеры. По-вашему, что сейчас происходит с театром – он все еще меняется, или же уже найдены какие-то новые стандарты, формы привлечения зрителя и деятельности театра?

ПМ - Не открою секрета, но слухи о кончине театра начались сразу же после его возникновения, поэтому, подозреваю, что театр будет жить вечно. Ни кино, ни ТВ, ни Интернет не в силах заменить живые энергии и магию театрального искусства. Только в театре вы сегодня можете увидеть хохочущий или плачущий зал. Вспомните, когда вы в последний раз хохотали или плакали в кинозале, у телевизора или у компьютера? А театр до сих пор способен захватывать и потрясать, потому что проникает в сердце зрителя, делает его душу человечнее, будит в нем лучшие качества.

А форма привлечения зрителя в театр одна – яркие премьеры и безвозмездная поддержка театра средствами массовой информации (публикации репертуара, премьерные обзоры, качественные рецензии и т.п.). Пока же все наоборот – есть хорошие спектакли, и есть дружное молчание печатных СМИ (до сих пор, к примеру, нет ни одной рецензии на комедию «Самоубийца», кроме скудной информашки с перепутанными именами и фамилиями). Слава Богу, хотя бы Телевидение регулярно делает репортажи о луганских премьерах.

ДС - Расскажите о пьесах, автором которых вы являетесь, опишите географию постановок – она, как нам известно, достаточно обширна

ПМ - Можно, конечно, ограничиться одним абзацем – мои пьесы видели зрители семи стран более чем в девяти десятках городов. В основном это постсоветские страны – Россия, Украина, Казахстан, Молдова, Белоруссия, Узбекистан, но есть и залетная страна – Швеция, где бывшие наши соотечественники уже третий год в Стокгольме с успехом играют на русском языке семейный мюзикл по одной из моих сказок.

Вообще я написал десяток пьес, но всерьез отношусь только к некоторым из них. Самой успешной пьесой вышла феерия «Ассоль» по мотивам «Алых парусов». Первая премьера состоялась в январе 2010 года на сцене ЛАОРДТа им. П.Б.Луспекаева в постановке Олега Александрова. Музыку к песням и спектаклю написал Михаил Мордкович. За три года «Ассоль» поставили на многих профессиональных площадках СНГ: в театре «Серебряный остров» (пост. засл. артистка Украины Людмила Лымарь, Киев, Украина), в Театре юного зрителя им. А.Вампилова (пост. Ксения Торская, Иркутск, РФ), в Жамбылском русском драматическом театре (пост. Ольга Избасарова, г.Тараз, Казахстан), в Брянском Театре юного зрителя (пост. Лаиса Леменкова, РФ), в Театре им.Б.Захавы (Павлоград. Украина), самая свежая премьера феерии «Ассоль» прошла в сентябре этого года в Новошахтинском драматическом театре в постановке той же Ксении Торской. Есть опыт прошлогодней постановки музыкальной феерии «Ассоль» на цене Чувашского театра оперы и балета в Чебоксарах (пост. Анатолий Ильин, композитор – Ольга Нестерова).

Но мне не менее приятно, что аматорских и школьных постановок феерии «Ассоль» намного больше и география еще более разнообразна – от Москвы и Харькова до Абакана и Верхнего Услона (теперь я знаю о существовании и такого села в Татарии).

К слову, совсем недавно на III Всероссийском фестивале «Театральная юность России 2012» спектакль «Ассоль» театра-студии «Арлекин» из Курска (пост. Виктория Габусова) стал Лауреатом в номинации «Драматические спектакли». Специальный диплом спектаклю «Ассоль» дали за высоко-поэтичное звучание спектакля. Кроме этого I премию (Президентский грант) в номинации «Лучшая женская роль» получила Татьяна Белоцерковская за исполнение роли Ассоль, II премию (Президентский грант) в номинации «Лучшая мужская роль» получил Дмитрий Пилюгин за исполнение роли Эгля.

А вот комедия для взрослых «МамаКлава» оказалась интересна только профессиональным и антрепризным театрам. Впервые ее поставил в Северодонецке Олег Александров в 1999 году, и с тех пор она пришлась по вкусу постановщикам и зрителям в Ташкенте, Москве, Красноярске, Черемхово и Пинске (Белоруссия). Свежей премьерой «МамаКлавы» открыл сезон Саратовский театр русской комедии в постановке Олега Загуменнова. Он стал вторым режиссером после Олега Александрова, который не побоялся вынести в афишу жанр, рекомендованный мною для постановщиков этой пьесы – «сексцентрическая комедия». Остальные театры в лучшем случае ограничивались словом «эксцентрическая».

Драма «Дыхание бабочки» с легкой руки киноактисы и режиссера Ирэны Грегор была поставлена в рамках Открытого театрально-художественного проекта на сцене Государственного культурного центра-музея Вл.Высоцкого Театра на Театра на Таганке. Это был атрепризный проект и просуществовал он на различных сценических площадках Москвы около четырех лет. Сегодня Ирена Грегор не оставляет надежды найти деньги для кинофильма по мотивам этой пьесы.
Особый пункт – мои пьесы-сказки. Все они, смешные, добрые и наивные, так или иначе, десятки раз были поставлены – некоторые на профессиональной сцене, и практически все – на школьных и аматорских подмостках. Но особо я ценю постановки сказок «Мышли-Шишли» и «Заяц и Волкшебство» на сцене ЛАОРДТа им.Б.Б.Луспекаева.

ДС - Чувствуете ли вы потребность в новых профессиональных знаниях?

ПМ - Конечно. Как жить без новых знаний? Если не держать руку на пульсе современной культуры и искусства – можно внезапно оказаться на обочине. Скорости у современной жизни запредельные – не успел познать, вкусить новый профессиональный опыт, и завтра станешь неинтересным – режиссеру и зрителю. Иногда, правда, закрадывается мысль, что в театре все уже давно открыто и сказано великими корифеями, а большинство современных режиссеров только эксплуатируют старые театральные системы, формы и идеи. Поэтому постоянно возвращаюсь к классикам театра – Станиславскому и его последователям.

ДС - Верите ли вы, что можно увеличить доходы театра? Как именно?

ПМ - Я до сих пор не понимаю, зачем постоянно муссируется проблема доходности театра? Даже в Древней Греции государство заботилось об образовании и воспитании своих граждан. Власти попросту раздавали малоимущим деньги для посещения театров. В каком же веке живем мы, если, напрочь, забываем о главной функции театрального искусства – воспитании в человеке ростков культуры?

На постсоветском пространстве осталась уникальная практика репертуарных бюджетных театров. Такой отлаженной воспитательно-просветительской театральной системы нет ни в одной стране мира. Украинский, русский или белорусский ребенок еще с детского сада приходит в профессиональный кукольный театр, потом по мере роста начинает ходить в ТЮЗ, и через полтора десятка лет театры получают подготовленного зрителя, который испытывает потребность ходить в театр.

Ленин, Луначарский и прочие коммунистические лидеры понимали ценность не только кино, но и театра, и всячески развивали его. Именно при социализме построено 90% существующих ныне театров. Система бюджетных репертуарных театров до сих пор позволяет посильно воспитывать человека, будить в нем тягу к искусству.

Понятное дело, что пытаясь увеличить доходность, многие театры начинают идти на поводу у не самой лучшей части зрителя. Ставится на поток обойма туповатых комедий, после которых в душе у зрителя остается странное послевкусие вторсырья. Этим, конечно, доходность повышается, но зритель чувствует подмену, и в отместку за обман постепенно теряет интерес к таким театрам.

Великий режиссер Георгий Козинцев, автор фильмов «Гамлет» «Дон Кихот» и «Король Лир», на вопрос о сущности искусства отвечал очень жестко, но правильно «Искусство необходимо человеку, чтобы он не оскотел». Думаю, эти слова в полной мере можно отнести и вопросу о доходности театра.

ДС - Перечислите 5 важнейших потребностей современного театра

ПМ - Хорошая пьеса, хороший режиссер, хороший сценограф, хороший зритель и хорошие деньги на воплощение спектакля. Эти пять составляющих успешного спектакля сегодня, к сожалению, очень редко встречаются в одном проекте.

ДС – Ваши любимые актер и режиссер

ПМ - К сожалению, многих из моих кумиров-режиссеров уже нет, но любимые актеры, слава Богу, живы и радуют своими ролями Алиса Фейндлих, Инна Чурикова, Владимир Ильин, Сергей Маковецкий. И еще ценю актерские работы Никиты Михалкова, хотя не многие замечают его потрясающий актерский дар.

Люблю луганских актеров-корифеев – и в украинском и в русском театре есть свои живые легенды.

ДС - В каком проекте (спектакле) вы бы хотели участвовать? С кем бы хотели поработать?

ПМ - Хотелось бы сыграть Порфирия Петровича, следователя из «Преступления и наказания», Клавдия в «Гамлете». Тартюф – тоже моя несбывшаяся мечта.

Когда-то я видел, как репетирует Анатолий Эфрос. Еще тогда я понял, что это – мой режиссер. Но это осталось в прошлом веке. Потом мне был близок по эстетике театр Петра Фоменко, но и этот режиссер тоже ушел. Сегодня, конечно же, хочется мечтать по-крупному: я бы с удовольствием поработал с Римасом Туминасом, но я совсем не уверен, что воплотись внезапно моя мечта, сам Туминас был бы в восторге от работы со мной.

Это иронические мечты. А реально остается надеяться, что Олег Александров, мой театральный крестный отец, возьмет меня в какой-нибудь из своих проектов, или приглашенный режиссер удивит в очередной раз своим видением моего места в театре.